Marquage

Le marquage est une pratique utilisée par les chanteurs professionnels afin de préserver leur voix dans diverses circonstances. Il n’est pas nécessaire de chanter à voix haute lors de l’apprentissage de la musique ou pendant les répétitions de mise en scène ou les répétitions générales. Le chant est largement pratiqué et accepté dans le milieu de l’opéra lorsque l’objectif de la répétition est de mettre en scène la scène, de s’habituer aux décors et aux accessoires utilisés dans la production, de faire des essais d’éclairage et de costumes, ou pour que l’orchestre apprenne sa partie et s’habitue au chef d’orchestre et aux tempos préférés des différents solistes. Lors de ces répétitions, il n’est pas impératif que les chanteurs utilisent leur voix complète. Les chanteurs ont également la possibilité de chanter à pleine voix ou non, lors de la répétition générale ; cela varie d’une personne à l’autre en fonction de leur état de santé, du nombre de jours de repos dont il y avait entre la répétition générale et la première, etc. Les jeunes chanteurs aiment chanter et impressionner, alors que les professionnels chevronnés ne le feront jamais. S’ils chantent à voix haute, c’est généralement pour une raison précise – pour vérifier quelque chose dans leur technique, etc. Le marquage est un moyen pour les professionnels de maintenir leur voix en forme et d’assurer la longévité de leur carrière.

Alors, comment marque-t-on ? Le marquage prend diverses formes, mais il est surtout lié à la réduction de la dynamique – les chanteurs chantent doucement, légèrement et magnifiquement. En italien, on appelle cela « sotto voce », ce qui signifie littéralement « sous (la) voix ». Les chanteurs utilisent un ton doux, suffisamment pour être entendu par le chef d’orchestre, mais pas beaucoup plus. Les passages aigus ou les notes difficiles sont généralement descendus d’une octave. L’expression est totale, mais à une échelle plus réduite. Le tempo (vitesse ou rythme d’une pièce donnée) doit être strictement préservé, de même que les changements de tempi (pl.) tels que accelerando (accélération), rallentando (ralentissement), et rubato (ajustement libre du tempo à des fins expressives) ou fermata (pause).

Le marquage est un outil extrêmement important dans l’apprentissage de la musique. Son utilisation préserve et protège votre voix – un point sur lequel on n’insistera jamais assez. Ne chantez JAMAIS à pleine voix avant de connaître toutes les notes d’une pièce, les paroles et la façon dont les deux s’assemblent. La pièce doit être pratiquement mémorisé avant que vous n’essayiez de le chanter à pleine voix. Si vous essayez de chanter à pleine voix avant que la pièce ne soit bien appris, vous renforcerez très probablement de mauvaises habitudes. L’apprentissage des notes et des mots sacrifie souvent la technique et peut vous amener à répéter de mauvaises habitudes qu’il est difficile de corriger par la suite.

Plus vous apprenez sans chanter, mieux c’est. Commencez par apprendre les paroles et la mélodie séparément. Les notes peuvent être apprises sur un autre instrument comme le piano ou en écoutant un enregistrement (à condition que le chanteur soit exact). Il est préférable d’apprendre à jouer votre ligne sur un piano, car vous n’aurez pas à apprendre les choix artistiques et/ou les mauvaises habitudes de quelqu’un d’autre. Vous pouvez lire la poésie à voix haute, naturellement au début, puis la dire au rythme de la musique en faisant attention à la pureté des voyelles et aux consonnes rapides. Lorsque vous apprenez la ligne mélodique vocalement, je suggère de le faire sur ‘ng’ [ŋ] en utilisant l’approche ‘sotto voce’. Le ‘ng’ est comme un fredonnement à bouche ouverte qui vous permet de vous concentrer sur l’articulation des notes tout en évitant les voyelles, les consonnes et la dynamique. Apprenez le morceau en vous basant sur ce qui est écrit musicalement. Une fois que vous y êtes parvenu et que vous connaissez bien le morceau, vous pouvez prendre du temps ici et là selon les normes acceptées. Enfin (si vous le faites), utilisez un peu de liberté artistique.

De plus en plus, les artistes sont fidèles à l’époque à laquelle la pièce a été écrite. Les pratiques acceptées dans un style et une période ne fonctionnent pas dans une autre ; en tant que chanteur, vous devez apprendre à savoir ce que vous pouvez et ne pouvez pas faire, en fonction de la période à laquelle la pièce a été composée. Cette approche plus stricte des pièces d’époque n’était pas très répandue dans les années 50 ; faites donc attention aux chanteurs que vous écoutez et que vous imitez. Les pratiques ont évolué au fil du temps. En tant qu’artiste, veillez à respecter les pratiques d’aujourd’hui.

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